Hip-Hop-Künstler Frank Waln spuckt Reime aus der Reservation

Wurde bereits in WBEZs Vocalo und MTV vorgestellt Rebellenmusik Der 26-jährige Sicangu Lakota-Rapper Frank Waln bringt eine einzigartige Hip-Hop-Marke in die Perspektive eines Sicangu Lakota-Mannes. Frank setzte sich mit uns zusammen, um über seine Reise vom Rosebud-Reservat in South Dakota zu sprechen, auf MTV gezeigt zu werden, Kunst aus einer indigenen Perspektive zu produzieren und seiner Geschichte treu zu bleiben.

Sie sind im Rosebud Reservat in South Dakota aufgewachsen. Reservierungen sind beabsichtigt, um geographisch und kulturell entfernt und isoliert zu sein. Warst du einer Menge Hip-Hop ausgesetzt?

Für meine Generation gab es. Ich habe in letzter Zeit viel darüber nachgedacht, vor allem, weil ich die Plattform habe, die ich jetzt habe, und auch, um ein viel besseres Verständnis zwischen schwarzen und indigenen Völkern und schwarzen Indianern zu erlangen. Ich habe wirklich versucht darüber nachzudenken, warum Hip-Hop so viel Resonanz hatte, mit vielen Eingeborenen aus meiner Reservierung. Unsere Eltern sind auf Country und Rock aufgewachsen, aber meine Generation - ich alle meine Cousins ​​- hörte Hip-Hop.

Bei meinen eigenen Erfahrungen war ein großer Teil der Auslosung die Repräsentation. Zu dieser Zeit hatten wir niemanden, keine Ureinwohner im Fernsehen, zu denen wir aufblicken konnten. Die Eingeborenen, die wir im Fernsehen gesehen haben, waren so stereotypisch, so geschaffen durch den weißen Blick, dass wir es sehen würden und wir würden uns und unsere Familien ansehen und sagen: "Das bin ich nicht, das sind wir nicht."

Als ich anfing, Hip-Hop zu hören - dies war vor dem Internet -, wurde die Musik, die ich konsumierte, durch die Leute geleitet, die ich kannte. Meine älteren Cousins ​​hörten allen Arten von Hip-Hop zu: Sachen von der Westküste, Sachen von der Ostküste, sogar Sachen von Houston, Texas, von unabhängigen Labels. Ich schaue zurück und frage mich, wie es überhaupt zu uns gekommen ist.

Als ich anfing, diese Musik zu hören, waren die Dinge, über die diese Künstler sprechen, Dinge, mit denen ich in Verbindung treten konnte. Ich bin in einer armen Farbgemeinschaft aufgewachsen, und obwohl wir isoliert waren, gab es viele Parallelen. Also haben wir uns alle auf diese Geschichten und diese Künstler gefreut, weil das uns so viel mehr repräsentierte als Hollywood, die Indianer, die wir im Fernsehen gesehen haben, und all diesen stereotypischen Bullshit. Hip-Hop-Musik war unserer Wahrheit näher als alles andere, was wir hatten.

Wer waren deine musikalischen Einflüsse?

Es war vor allem ein Song, Nas '„One Mic“, der mich bei dem Gedanken, Hip-Hop-Musik zu machen, wirklich aufgeregt hat. Als ich dieses Lied hörte, war ich wie „Mann, ich möchte das tun. Ich möchte diese Art von Sachen machen. Ich möchte auf diese Weise sprechen. “Er kommentierte seine Gemeinschaft, sagte aber auch:„ Wir können Veränderung schaffen “, und das war für mich wirklich mächtig. Outkast auch, weil sie sehr ehrliche Musik machten, nicht nur die Texte und Beats, sondern auch die Produktion.

Und ich bin immer noch in der Musik, die meine Eltern gehört haben: Hank Williams, George Strait und Creedence Clearwater Revival. Ich höre immer noch diese Alben für musikalische Inspiration. Mein größter Einfluss in Bezug auf Musik und meine Wahrheit ist wahrscheinlich ein indigener Aktivist und Dichter namens John Trudell. Sein erstes Album Stammesstimme Er rezitierte Gedichte über traditionelle Zeremonienlieder. Es ist wahrscheinlich mein Lieblingsalbum aller Zeiten.

Wie war der Prozess von "Ich möchte diese Musik machen!", Um sie tatsächlich zu machen?

Meine Generation war die erste Generation, die auf unserer Reservierung tatsächlich Musik produzieren konnte. Wir kommen aus einem der ärmsten Landkreise der Vereinigten Staaten, daher gab es keine Studios; da war nichts. Als ich in der High School war, erhielt die größte Schule in unserem Reservat diesen Zuschuss, mit dem jeder Schüler ein MacBook bekam, das eine Kopie von GarageBand mitbrachte. Nun ging ich nicht auf die High School und musste mir einiges sparen, um mein eigenes MacBook zu kaufen, aber aufgrund dieses Zuschusses hatten Sie viele Kinder in der Reservierung, die Hip-Hop hörten, und jetzt für das Zum ersten Mal konnten wir auf der Reservierung Musik machen.

Wir hatten immer noch unglaublich begrenzte Ressourcen, aber wir hatten GarageBand und ein MacBook-Mikrofon. Wir mussten keinen Plattenvertrag abschließen oder fünf Stunden zum nächstgelegenen Tonstudio fahren und Studiogebühren zahlen, die wir nicht hatten. In den frühen 2000er Jahren hatten Sie plötzlich die Quelle all dieser jungen, indigenen Hip-Hop-Künstler in den Plains-Reservaten, die nun zum ersten Mal von zu Hause aus Musik machen konnten.

Sobald die sozialen Medien groß wurden, gab es uns eine Plattform, um diese Musik zu teilen. Um in ein Studio zu kommen, brauchte man entweder ein Plattenlabel oder jemanden, der das Geld oder den Platz für die Aufnahme des Albums vor Augen hatte. Und Plattenlabel strömten definitiv nicht zu Vorbehalten, um Talente zu unterzeichnen. Mit Social Media konnten wir also Mainstream-Looks erzielen, ohne auf Systeme angewiesen zu sein, die noch nie wirklich Platz für uns hatten.

Wir sprachen über Isolation, und was viele Leute nicht verstehen, ist, dass sie, wenn sie uns auf Vorbehalte isoliert haben, auch die Kommunikation zwischen den Stämmen abschneiden. In früheren Zeiten war die Kommunikation zwischen den Stämmen so wichtig. Menschen reisten und wanderten aus; Sie teilten Wissen, Geschichten und Kunst. Eine andere Sache, die uns die sozialen Medien, junge indigene Künstler, gaben, war die Gelegenheit, die Gemeinschaften neu zu verbinden, was für unsere gesamte Kunst wichtig war. Vor allen Touren und MTV konnten wir Facebook dazu nutzen, Shows auf unseren Reservierungen zu bewerben.

Ist die Musik, die Sie gerade machen, in der Nähe der Musik, die Sie in den frühen 2000er Jahren begonnen haben, oder hat sie einige Übergänge durchlaufen?

Es waren völlig Übergänge und Phasen. Als wir anfingen, zu Hause Musik zu machen, hatten wir einfach Spaß, Mann. Ich schaue zurück und als Künstler, auch wenn diese frühen Songs Mist waren und es mich zum Kribbeln bringen würde, wenn ich ihnen zuhören musste, hatten ich und meine Freunde und meine Cousins ​​so viel Spaß. Stellen Sie sich das erste Mal vor; du könntest etwas machen, etwas schaffen. Selbst wenn Sie nur Ihre eigene Stimme hören. Es war wirklich aufregend, mit meinen Freunden und Cousins ​​dabei zu sein, die über dumme Scheiße gerappelt haben. Wir hatten so etwas noch nie zuvor, also haben wir so viele Songs geschrieben, wie wir konnten, und hatten einfach Spaß.

Und dann konnte ich genug Geld sparen, um ein kleines Studio im Keller meines Cousins ​​zu bauen, und eine Gruppe mit Freunden und Familie gegründet. Ich und mein jüngerer Cousin Colin, mein Cousin Andre Easter, ein anderer Cousin Tom Schmidt und eine Sängerin namens Kodi DeNoyer. Es gab also ein erstaunliches Durcheinander an Einflüssen: Colin und ich waren Kinder, Andre war ein schwarzer Kerl, der in Virginia auftrat, bevor er zu Rosebud zog, Tom, ein schwarzes Native Military Gör, und Kodi, eine Lakota-Sängerin verschiedene Stile und Perspektiven bringen. Um auf die Einflüsse zurückzugreifen, spielte das Aufnehmen mit diesen Leuten definitiv meinen heutigen Sound und meinen Stil mit.

Bevor Ihre Musik anfing zu explodieren, waren Sie ein Pre-Med-Student. Erzähl mir von diesem Übergang.

Gleich nach der Highschool bekam ich dieses wirklich großartige Stipendium, das Gates-Millennium-Stipendium. Ich hatte also dieses goldene Ticket, um aufs College zu gehen. Ich dachte nicht, dass ich bis zum Stipendium zum College gehen würde. Also ging ich auf die Creighton University in Omaha, Nebraska, um zwei Jahre lang Vor-Mediziner zu studieren. Zu dieser Zeit hörte ich irgendwie zu, was alle um mich herum sagten. Wo ich herkomme, gehen nicht viele Leute aufs College, also war jeder wie „Frank, das ist deine Chance. Sei Arzt, Anwalt, komm zurück und hilf uns, hilf deinen Leuten. “

Ich wollte auf jeden Fall helfen, ich wollte auf jeden Fall ein Heiler für mich und meine Gemeinschaft sein, und damals dachte ich, dass es nur der einzige Weg ist, Arzt zu sein. Also habe ich zwei Jahre lang Vorbereitungen gemacht und bin irgendwie verbrannt worden; Mir wurde klar, dass Medizin nicht meine Leidenschaft war. Musik war, also ging ich für ein Jahr zurück in die Rez, und entschied mich einfach, alles in die Musik zu stecken und herauszufinden, wie ich das als Werkzeug zum Heilen und Helfen nutzen kann.

Nach einem Jahr entschloss ich mich, wieder zur Schule zu gehen, zum Columbia College Chicago, wo ich meinen Abschluss machte. Ich fing an, mich mit anderen Farbkünstlern zu vermischen, die mir geholfen haben, genau zu verstehen, wie ich Musik verwenden kann, um nicht nur meine Geschichte zu erzählen, sondern die Musik auch als Heilmittel zu verwenden. In der Tat war es diese unglaubliche Professorin, eine schwarze Frau namens Claudette Roper. Sie war die erste Person, die mir zeigte, dass meine Geschichte etwas wert ist und dass meine Wahrheit mächtig ist. Ihr Rat und ihr Mentoring veränderten meine Karriere und mein Leben.

Sie haben erwähnt, wie wichtig Repräsentation ist. Kommt für Ihren Erfolg in letzter Zeit noch mehr Druck oder Verantwortung hinzu?

Es war während dieser Zeit in Columbia, als ich wirklich meine Verantwortung erkannte, meine Wahrheit zu sagen und meine Geschichte zu erzählen. Ich hatte Glück: Die Leute haben aufgepasst. Ich versuche sehr aufmerksam zu bleiben. Ich bin ein nicht unterzeichneter Künstler, ich bin ein Rez-Kind aus einem der ärmsten Reservate in South Dakota, und hier werde ich von Playboy interviewt und bin auf MTV. Das hat noch niemand zuvor getan, und ich bin mir dessen sehr bewusst. Ich bin auf jeden Schritt nach vorne aufmerksam, weil ich mich in unbekannten Gewässern befinde. Daher bin ich sehr vorsichtig, wie ich diesbezüglich repräsentiere.

Mit dem Fortschreiten meiner Plattform möchte ich es immer besser machen.Wie kann ich bessere Musik machen, wie kann ich eine bessere Leistung erbringen, wie kann ich besser heilen? Bessere Wege zu finden, um meine Wahrheit und meine Wahrheit und meine Geschichte auf eine Weise zu gestalten, auf die sich auch Menschen außerhalb meiner Gemeinschaft beziehen können. Ich möchte immer ein Lied herausbringen oder eine Performance machen, die die Rezative Native Community rocken wird, gleichzeitig aber auch Leute in Deutschland rocken.

Sie waren im letzten Jahr in den USA und Europa auf Tournee. Sehen Sie einen Unterschied darin, wie Sie empfangen werden, da Ihr Publikum immer vielfältiger wird?

Nun, ich fange damit an, dass wir genau das gleiche machen, egal ob wir in der Rezession sind, an einer Universität in den USA oder in Deutschland. Unsere Leistung ist sehr ähnlich zu VH1 Storytellers. Storytelling ist für mich als Person, für die anderen Künstler, mit denen ich zusammenarbeite, und für meine eigene Kultur sehr wichtig. Die Lakota-Leute sind große Geschichtenerzähler. Also mache ich viel Kontext zwischen Songs. Deshalb habe ich dieses Lied geschrieben, hierher komme ich. Wenn ich also gerade für einheimische Kinder spiele, wird die Kontextualisierung anders sein als bei einer Show in Deutschland, sagen wir, aber der Satz wird derselbe sein.

Soweit wir empfangen werden… es ist wild, wir bekommen Liebe, egal wo wir sind. Die Liebe ist anders je nachdem wo wir sind. Ich fange gerade erst an, die Musik aus dem indischen Land herauszuholen, und jetzt, wo ich die Tournee durch das ganze Land gemacht habe und in Europa war, fange ich wirklich an, diese zum ersten Mal zu verarbeiten.

Zuhause ist die Liebe tiefer… und vielleicht ist Liebe das falsche Wort, vielleicht Wertschätzung. Vor allem von einheimischen Kindern. Sie verstehen, was ich durchmache, und ich verstehe, was sie durchmachen. Für jemanden, der aus dem gleichen Kampf kommt, das tut, was er liebt und das er als Lakota-Kind aus einem Vorbehalt treu bleibt, ist die Wertschätzung tendenziell tiefer. Es ist zu Hause, also bleibt ich im Mittelpunkt. Wenn ich nach Hause gehe und die Leute wie „Yo, was zum Teufel machst du? Du bist nicht derselbe Frank! Worüber sprichst du in deiner Musik? “Das würde mich wissen lassen, dass ich mich selbst ansehen und herausfinden muss, wie ich mich von meinem Weg entferne.

Außerhalb des indischen Landes schätzen die Menschen die Musik und auch die Perspektive sehr. Viele Leute haben noch nie etwas von unserer Geschichte gehört. Sie haben noch nie eine Aufführung mit indigenem Tanz in Kombination mit dieser kraftvollen Geschichte gesehen. Wenn wir auftreten, lassen wir alles auf der Bühne, Mann. Ich weine fast jeden Abend auf der Bühne; das ist, wo ich die ganze Wut, die ganze Frustration, den ganzen Schmerz losgelassen habe. Es ist also eine sehr starke Leistung. Ich denke, Nicht-Ureinwohner neigen dazu, diese Perspektive sehr zu schätzen, und dass sie auf so wirkungsvolle und ehrliche Weise vermittelt wurde.

Und hier sind Musik und Kunst so großartig. Ich könnte zum Beispiel auf der Bühne sitzen und Stacks der US-Politik durchlesen, aber wenn ich einen Song machen kann, in dem ich darüber spreche, wie diese Politik zu einem bestimmten Ereignis geführt hat, das in meinem Leben traumatisch war, und die Emotion durch die Aufführung bringe und das Publikum diese Emotion spüren lassen, es ist viel effektiver. Und die Menschen überall haben das zu schätzen gewusst; Die Geschichte und das Gefühl, die indigene Wahrheit zu nehmen, wussten sie vielleicht nicht viel und machten sie real, was sie fühlen können. Und ich bin dankbar für die Gelegenheit.

Ihre Musik kommt definitiv aus einer indigenen Perspektive, aber auch als unabhängiger Künstler war es Ihnen möglich, die Kunst durch eine indigene Linse zu produzieren.

Mit der Erweiterung meiner Plattform bemühe ich mich, auch die Art und Weise, wie "Erfolg" definiert wird, in die Perspektive der indigenen Bevölkerung zu rahmen. Ich bin getrennt von diesem indigenen Künstlerkollektiv Traumkrieger, zum Teil von einer unglaublichen indigenen Frau namens Tanaya Winder gegründet. Sie ist Erzieherin, Dichterin, Künstlerin, Redakteurin einer rein weiblichen Zeitschrift und jetzt meine Managerin. Mit ihr und zwei anderen indigenen Hip-Hop-Künstlern, die sie leitet: Mic Jordan in North Dakota und Tall Paul aus Minneapolis bildeten wir ein Kollektiv. Wir brauchen keine Eifersucht, wir müssen nicht um einen "Spot" kämpfen, wir brauchen kein Rindfleisch … wir müssen zusammenarbeiten. Ein großer Teil unserer Definition von „Erfolg“ ist für uns, wie wir uns gegenseitig aufbieten und anderen Künstlern eine Chance bieten können.

Als Kollektiv entschieden wir uns, aus jeder Aufführung einen kleinen Teil herauszuholen und einen Stipendienfonds für einheimische Highschool-Senioren zu verwenden, die Kunst in der Hochschulbildung erforschen wollen. Wir möchten in der Lage sein, andere Künstler zu gewinnen, auch wenn Musik nicht ihr Medium ist. Wir haben das Stipendium sogar aus indigener Perspektive gestaltet: Wir haben nicht gesagt: „Ihre Kunst muss dies, dieses oder jenes sein“, und wir haben die Bewerber gebeten, uns zu sagen, wie sie definiert werden ihr Kunst. Im ersten Bewerbungsjahr hatten wir drei Bewerber: zwei bildende Künstler und einen Koch. Für mich war das wirklich toll, dass diese junge Frau Kochen als ihre Kunst sah. Das ist eine sehr indigene Sicht auf Essen und Kunst: Kochen, Füttern Ihres Volkes ist Liebe

Aus historischer Sicht der Indigenen ist „Kunst“ bei weitem nicht so stark unterteilt wie in der westlichen Welt. Für mich war alles von der Jagd auf Buffalo bis hin zum Aufstellen eines Tipis eine Kunstform. Es geht um Liebe und Gemeinschaft, und für mich drücke ich aus, in welcher Form auch immer Kunst ist, die man schätzen und hervorheben sollte. Aus unserem Kollektiv versuchen wir also, nicht nur Musik zu machen, sondern auch Möglichkeiten aus der Sicht der Indigenen nach Hause zu bringen.

Was möchtest du, dass die Leute deine Musik mitnehmen?

Ehrlichkeit. Das ist sowohl aus persönlicher als auch aus musikalischer Sicht so groß. Ob es sich um Eingeborene handelt, die in einem Reservat leben und die Geschichten kennen, die ich erzähle, oder ob sie Nicht-Ureinwohner sind, die diese Perspektiven in ihrem Leben noch nie gehört haben, ich möchte, dass die Menschen die Ehrlichkeit in meiner Musik spüren können. Wo immer Sie sind, können Sie entweder sagen "OK, dieser Kerl erzählt meine Geschichte!" Oder "Auch wenn ich mit dieser Perspektive nicht vertraut bin, kann ich nicht behaupten, dass er nicht seine Wahrheit sagt!"

** Was kommt 2016 für dich auf?"

Wir machen in den nächsten Monaten Shows in den USA und in Kanada. Später in diesem Monat werden wir bei SXSW, dann an der Lehigh University und beim One Nation Film Festival in Colorado sein. Ich war gerade für April und die erste Maihälfte in einer Künstlerresidenz an der University of Delaware. Ich werde mich auf dem Campus informieren, aber in erster Linie werde ich in einem Kinderkrankenhaus mit einem Musikwissenschaftler und Musiktherapeuten zusammenarbeiten, um mit Kindern im Krankenhaus die Heilung von Musik zu erforschen. Es ist eine Möglichkeit, ständig zu lernen und besser zu werden. Es fühlt sich wirklich an, als ob der ganze Kreislauf kommt - von der Vorstufe bis zur Verwendung von Musik als Heilmittel für andere im Krankenhaus. Ich freue mich sehr auf diese Gelegenheit.

Die große Neuigkeit ist natürlich, dass ich mein erstes Soloalbum später in diesem Jahr löschen werde. Es heißt Tokiya Das ist das Lakota-Wort für "erste Schöpfung". Ein großer Teil meiner Geschichte und der Geschichte meiner Gemeinde ist, wie unsere Sprache und Kultur als Teil des Kolonialisierungs- und Völkermordprozesses entfernt wurden. Ich habe mir den Rahmen des Lebens unserer Menschen genau angesehen - das Geschichtenerzählen, die Musik, die Sprache, im Wesentlichen die Art und Weise, wie wir unser Leben gelebt haben, denn das ist Kunst für mich. Dieses Album wird etwas Besonderes sein, es geht darum, sich wieder mit meiner Kultur und meinem Zuhause zu verbinden, mit meiner eigenen Heilung und auch aus der weiteren Lakota-Perspektive.

Ich arbeite mit einer Menge großartiger Künstler aus dem In- und Ausland zusammen. Es wird ein großer Kunstfrieden sein und auch die Art und Weise, wie es in der Perspektive der Indigenen gestaltet ist, was ich als Künstler sehr selbstkritisch sehe. Ich bin nie wirklich zufrieden mit dem, was ich herausgestellt habe, aber ich habe es nie getan fühlte sich so gut an, was ich je gemacht habe.